Pinturas Famosas
Estas son las obras más conocidas y representativas del arte, cada una en un estilo y una época pero que resumen a la perfección los grande momentos artísticos de la humanidad. Una selección para admirar la belleza sin límites temporales o geográficos.
Mona Lisa o Gioconda - Leonardo Da Vinci
Sin duda, esta pintura es una de las más famosas del mundo y se ha convertido en parte de la cultura popular. Ha sido utilizada en propagandas, caricaturas, programas de televisión y es la primera imagen que surge cuando se piensa en arte.
Fue realizada por uno de los artistas más reconocidos de la historia, Leonardo da Vinci (1452 - 1519), durante el Renacimiento italiano, cuando se comenzaron a cambiar las técnicas y perspectivas sobre la pintura.
De hecho, la Mona Lisa (1503 - 1510) estableció un canon para los retratos de la época. Da Vinci le otorgó muchísima fuerza expresiva al representarla más cerca del borde del cuadro y al jugar con las perspectivas de luz.
También se enfocó en ciertos detalles como el velo casi imperceptible que cubre su cabello, los bordados del escote o el brillo de las mangas, en contraposición al paisaje difuminado del fondo.
¿Quién es la modelo?
Aunque hay muchas teorías alrededor de la identidad de la mujer, la más aceptada es que fue encargada por un comerciante de seda, que quería un retrato de su esposa, Lisa de Giocondo. El cuadro nunca fue entregado a la familia, ya que el pintor lo terminó varios años después.
El enigma del rostro de la Mona Lisa
Lo primero que llama la atención en este cuadro es la enigmática sonrisa. Sin embargo, este tipo de representaciones eran bastante comunes, ya que la boca y postura de manos corresponde al ideal de castidad del periodo, utilizado también cuando se pintaba a la Virgen.
Lo que sí ha cautivado al público es su mirada, pues sus ojos tienen una expresión y brillo poco habituales para las pinturas de mujeres de la época.
¿A qué debe su fama?
Esta obra debe su fama a varios incidentes. En 1911 fue robada y estuvo desaparecida durante dos años, hasta que el ladrón intentó venderla y fue recuperada. La imagen apareció en varios medios masivos de la época y esto provocó su fama internacional.
Luego, en 1919, el artista francés Marcel Duchamp fue el primero en intervenirla al crear su obra "L.H.O.O.Q.". Utilizó una postal que reproducía la pintura y le dibujó un bigote y barba con lápiz. Con este gesto buscaba romper con la visión del arte como algo sagrado. A partir de ese momento, se convirtió en un objeto de consumo, y hoy se puede ver en todo tipo de productos.
Constantes ataques
Esta es una de las obras que ha recibido más ataques. En 1956 un hombre le lanzó una piedra, rompiendo la protección y desprendiendo pintura del codo. Debido a los daños, se decidió protegerla con vidrio blindado.
Más tarde, en 1974, durante una gira en Tokio, una mujer en silla de ruedas le derramó pintura roja para demostrar su molestia ante la falta de rampas. El 2009 una mujer rusa le tiró una taza debido a su descontento, ya que le habían negado la ciudadanía.
El último ataque fue en mayo del 2022, cuando un hombre disfrazado de anciana y en una silla de ruedas, le arrojó un pastel para protestar por el cambio climático.
La noche estrellada - Vincent Van Gogh
La intensidad fue uno de los rasgos característicos de Van Gogh (1853 - 1890). Su carrera duró apenas 10 años y en ese periodo produjo alrededor de 800 pinturas y dibujos.
De origen holandés, se trasladó a París y allí descubrió su estilo al conocer el impresionismo. Se caracterizó por crear texturas, con pinceladas que resultaran evidentes y por darle especial importancia al color.
En lugar de representar la realidad tal cual la veía, decidió crear formas provenientes de su fantasía, mostrando la vida bajo el matiz de su imaginación.
¿Cómo surgió este cuadro?
Mientras estaba internado en el sanatorio de Saint Remy pintó "La noche estrellada" (1889). El retrato de la naturaleza siempre fue muy importante para el artista, pero ligado a sus sentimientos. Por eso en esta vista nocturna lo que destaca es el movimiento a través de líneas retorcidas y ondulantes, además del uso de colores profundos.
Interpretación de la pintura
Lo interesante es ver el contrataste entre la ciudad con trazos rectos que se oponen a las curvas del cielo. De esta manera, el cuadro puede interpretarse como la representación de fuerzas que se oponen, como el constante esfuerzo y anhelo humano por tocar las estrellas, que están más allá de su comprensión.
El mito de la locura
Hay mucho de leyenda alrededor de Van Gogh, pues se piensa que su arte deriva de la enfermedad, la locura y su dificultad para encajar en el mundo. Continuamente se recuerdan episodios como aquel en que se cortó su propia oreja, y eso es lo que ha llegado al conocimiento popular.
Sin embargo, su arte fue el instrumento regulador del mundo, fue aquello que lo impulsaba a mantener la cordura en un mundo que no le hacía sentido.
A pesar de que no logró fama en vida, hoy es considerado uno de los artistas más destacados y sus cuadros se han vendido en millones de dólares.
El grito - Edvard Munch
El pintor noruego Edvard Munch (1863 - 1944) se considera parte del arte simbolista, pero su obra exploró la expresión de la angustia humana, por lo que fue una fuerte influencia para el movimiento expresionista.
"El grito" (1893) es su cuadro más famoso y, a través de los años, realizó varias versiones del mismo tema. Aunque no es exactamente una pintura bonita y al principio impactó al público, se ha convertido en un ícono de la cultura popular. Muchos ven en ella una especie de anticipación de todas las catástrofes que azotaron al siglo XX.
¿Qué representa el grito?
En esta obra predomina la subjetividad. Es el ser humano en un momento de angustia y desesperación existencial. El paisaje y todo lo que le rodea se retuerce, dando la impresión de sonido mediante un ritmo visual.
También se puede entender como la representación del artista como un ser incomprendido y torturado. Es importante considerar que Munch perdió a su madre siendo joven, mantenía una tensa relación con su padre y contaba con un historial familiar de problemas mentales y depresión.
Otras de las grandes interrogantes es si el personaje está gritando o recibiendo con horror el grito del mundo, es un debate que queda abierto para cada espectador.
¿Cómo surgió la idea del cuadro?
Se basó en una experiencia personal para la creación de esta imagen. Durante un paseo, se puso el sol y el artista sintió que el rojo del cielo le transmitía un grito infinito desde la naturaleza.
La figura andrógina está basada en una momia peruana que vio en una exposición en su viaje a París. Los rasgos poco definidos lo inspiraron para crear un sujeto que fuese más universal.
Robos y valor
La pintura original fue robada en 1994, pero apareció dos meses después. El año 2004 fue robada otra versión que permaneció desaparecida durante dos años hasta que logró ser recuperada.
Otra de las versiones fue subastada en Nueva York el 2012, por 119,9 millones de dólares, uno de los precios más altos pagados en la historia del arte.
El beso - Gustav Klimt
Gustav Klimt (1862 - 1918) fue el gran representante del modernismo vienés. En aquella época, Viena era uno de los centros culturales más importantes del mundo, y el arte se debatía entre la tradición y la modernidad.
La burguesía era la clase social dominante, y su afición a la pompa y al lujo dio pie a que artistas como Klimt pudieran volcar toda su imaginario en obras impresionantes.
Así, el artista se enfocó en cuadros saturados de detalles, con uso de oro, figuras voluptuosas, retratos de gran tamaño y le otorgó abiertamente espacio a la sexualidad.
Coronación de su fase dorada
Una de las cosas que más impresiona a quienes pueden ver las obras de Klimt en persona, es el recurrente uso del oro que antes sólo se utilizaba en los íconos bizantinos como característica de divinidad.
En "El beso" (1907 - 1908) el oro que rodea a la pareja, otorga la ilusión de un tesoro. Asimismo, la bella ornamentación aleja lo "tabú" del tema y la convierte en un éxito.
¿Qué significa esta pareja?
Se cree que los modelos del cuadro son el propio Klimt y su amante Emilie Flöge, aunque el negó haberse autorretratado.
Aunque al principio se creyó que la obra representaba la reconciliación entre los sexos y su alianza, la postura dominante del hombre y sumisa de la mujer viene a negar esta idea. El modelo masculino parece más bien someterla, y la figura femenina se encuentra al borde del abismo con los ojos cerrados en una entrega total.
Por ello, hay quienes postulan que la pintura vendría a constatar la incompatibilidad por naturaleza. De ahí se entienden las formas ornamentales cuadradas para el hombre y circulares para la mujer.
El nacimiento de Venus - Sandro Boticelli
Alessandro Felipepi, apodado Botticelli (1445 - 1510), fue uno de los pintores más populares del Renacimiento. En este periodo el arte se enfocó en la representación de los mitos de la antiguedad clásica, alejándose de la temática religiosa y brindando mayor importancia a la naturaleza humana.
El artista trabajó en encargos para las grandes familias políticas e intelectuales de Florencia, como los Medici. Se destacó por enfocarse en temas mitológicos y por pintar figuras de tamaño natural, con una gran precisión en los contornos y pliegues, como si fuesen esculturas que el espectador podía tocar.
La diosa del amor
Este cuadro (1485 - 1486) hace alusión a Venus, la diosa romana del amor, la belleza y la fertilidad. Según el mito, Venus surgió de la espuma de mar, cuando Cronos le cortó a su padre Urano los genitales y los lanzó al mar.
La pintura recrea su llegada a tierra firme. A la izquierda, se encuentran Céfiro, dios del viento, y Aura, diosa de la brisa. Ellos impulsan a Venus hacia la orilla. En tierra la espera una Hora de la primavera para cubrirla con su manto.
La diosa viene llegando en una concha, símbolo de la fertilidad femenina. Además, desprende flores en el camino, pues se cuenta que las rosas florecieron por primera vez debido a su nacimiento.
Ideal de belleza de la mujer renacentista
Para crear a Venus, Botticelli se inspiró en Simonetta Vespucci, considerada una de las mujeres más hermosas de Florencia en aquellos años.
En esta época, los desnudos sólo eran aceptados en representaciones religiosas, por lo que este cuadro fue bastante rupturista y es el primer desnudo profano - de cuerpo completo - del Renacimiento.
Ha pasado a ser parte del imaginario colectivo debido a su sensualidad, que no se debe sólo al hecho de que está desnuda, sino que a su postura. Venus ladea la cadera hacia la derecha y su cabeza hacia la izquierda, cubriendo sus zonas íntimas con pudor. Asimismo, hay una sensación de ligereza que se logra por la representación del cabello ondulante y los pliegues de la ropa al viento.
La joven de la perla - Johannes Vermeer
Johanees Vermeer (1632 - 1675) es considerado el pintor de la intimidad. Se enfocó en retratar escenas al interior de las casas, con personajes realizando actividades comunes como tocar un instrumento o leer una carta. Muchos de sus protagonistas se encuentran en mitad de acción, otorgándole una cierta narrativa a las escenas, para que el espectador pueda jugar con el significado.
Aunque sólo se le atribuyen 36 pinturas, se ha convertido en uno de los pintores más venerados en la actualidad.
La "Mona Lisa holandesa"
"La joven de la perla" (1665 - 1667) ha cobrado muchísima fama y presenta el retrato de una joven misteriosa con mirada sugerente. La muchacha mira directo al espectador y la boca está ligeramente abierta, como si le hablara al público. Por otro lado, la cabeza ladeada da la sensación de que está sumida en sus propios pensamientos.
El fondo neutral y oscuro permite que destaque su imagen y se genere un efecto fotográfico. Su vestimenta responde al estilo oriental y el turbante azul hace referencia a la moda que imperaba en la Europa de aquellos años, en donde lo exótico era muy apreciado.
La perla también se sitúa como un elemento clave dentro de la narración, ya que aunque la joven atrae por su sensualidad, el pendiente constituye un símbolo de castidad.
Curiosidades
El año 2003 se estrenó la película La joven de la perla, protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth. El filme recrea, de manera ficcional, la historia del cuadro.
Las meninas - Diego Velázquez
Velázquez (1599 - 1660) es uno de los artistas más importantes del barroco español y "Las meninas" (1656) es uno de las obras más enigmáticas de la historia del arte. Varios pintores han realizado sus propias versiones, tales como Goya, Degas, Manet y Dalí, entre otros. De igual manera, se han propuesto numerosas interpretaciones, entre las que destaca la del filósofo Michel Foucault con su libro Las palabras y las cosas.
Retrato sobre el arte de pintar retratos
Lo más interesante de este cuadro es su perspectiva. Velázquez tuvo la osadía de representarse a sí mismo dentro del cuadro, en un intento por glorificar su actividad y su arte.
La obra se ambienta en el Palacio Real Alcázar de Madrid. Se puede ver en el lado izquierdo al pintor, tomando distancia del lienzo y observando hacia el frente. Hay una variedad de personajes en el resto de la composición, entre los que destacan la infanta Margarita, sus damas de honor o meninas, los enanos de la corte y un perro.
En el lado izquierdo también puede observarse un pedazo del lienzo, por lo que el espectador toma la perspectiva del retratado.Sin embargo, en el fondo se puede apreciar un espejo en el que se reflejan los reyes de España, dando a entender que el cuadro es sobre ellos.
El papel del espectador
Lo que más ha maravillado sobre esta obra es que interpela directamente al espectador, es como si Velázquez estuviera pintando a cada persona que se para en frente del cuadro. Además, la pintura es enorme y retrata a sus personajes en tamaño natural.
Otro de los aspectos que genera la ilusión de estar dentro de la escena tiene que ver con las miradas. La mirada del artista revela orgullo y confianza en sí mismo, es escrutadora. Por su parte, los demás personajes también observan atentamente, situando al público en el papel de los reyes, una gran audacia para los protocolos del periodo.
La creación de Adán - Miguel Ángel Buonarotti
Miguel Ángel (1475 - 1564) fue uno de los artistas más importantes del Renacimiento y se caracterizó por mezclar la tradición clásica grecorromana con motivos del cristianismo. Fue arquitecto, pintor y escultor. Varias de sus obras son parte del imaginario colectivo, como la escultura de David y La Piedad.
Contexto de creación
El Papa Julio II le encargó al artista realizar los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina en el Palacio del Vaticano. En este lugar se celebraban las misas papales y se reunían los principales dignatarios eclesiásticos.
El trabajo le tomó tres años y se compone de más de 300 figuras pertenecientes al Antiguo Testamento y hasta hoy se considera una de las representaciones más famosas sobre la creación.
¿Qué muestra esta pintura?
Este fresco (1511) muestra el momento en que Dios le otorga vida a Adán al tocarlo con su dedo. Una de las grandes innovaciones fue presentar a las figuras de forma horizontal, ya que siempre se situaba al Señor en una posición superior.
Dios se acerca a la tierra acompañado de ángeles y de una mujer que se ha identificado como la futura Eva, que aunque aún no existía, ya se encontraba en el imaginario del Creador.
La levedad, dinamismo y fuerza con la que se retrató a Dios contrasta con la postura más bien lánguida de Adán, que pareciera hacer un gran esfuerzo para alcanzar su mano. Este hombre, situado en la tierra sobre una roca, recibe la energía vital.
Perfección del retrato
En el periodo, el retrato de Adán se consideró como un ideal de belleza sobrenatural, debido a la superioridad de sus formas. Por su parte, Dios fue imaginado como un anciano fuerte y dinámico, cuya posición da la impresión de flotar en el espacio.
Llama la atención la cantidad de detalles que pueden encontrarse en los rostros, el cabello y las ropas. Aunque era una pintura que se encontraba en el techo y sólo podía observarse a gran distancia, Miguel Ángel se concentró muchísimo en la perfección del trazo.
La ronda de noche - Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Rembrandt (1606 - 1669) fue uno de los grandes exponentes del arte barroco, que se caracterizó por el uso del claroscuro y la creación de obras en movimiento. Se trataba de pinturas llenas de contrastes y dramatismo, como si fuese una escena teatral, intentando reflejar la intensidad emocional del momento.
Retrato en movimiento
"La ronda de noche" (1639 - 1642) es un gran ejemplo de la Edad de Oro del arte holandés, debido a la tensión que se puede observar en el grupo.
Fue encargado por la compañía militar que se ocupaba de la seguridad de la ciudad. En lugar de hacer el retrato de manera clásica, Rembrandt decidió jugar con la composición y agregar dinamismo a los personajes, como si estuvieran en movimiento, a punto de partir a sus quehaceres.
Confusión con el nombre
El título original era "La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh" y estaba ambientada en pleno día. Con el tiempo se popularizó como "La guardia de noche", ya que la acumulación de suciedad y la oxidación del barniz hicieron que pareciera una escena nocturna.
Ataques
En 1957 un hombre la acuchilló múltiples veces y, aunque logró ser restaurada, las marcas aún pueden notarse. Luego, en 1990, otro individuo le arrojó ácido, generando daños superficiales.
Curiosidades
El cineasta Peter Greenaway realizó la película Nightwatching en 2007, en la que retrató la vida de Rembrandt y la historia de este cuadro. La cinta juega con la estética del artista y cada escena parece una de sus pinturas. Luego, el 2008 hizo un documental sobre la misma obra llamado Rembrandt's J'accuse, en la que investiga su propia interpretación.
La última cena - Leonardo Da Vinci
Es un cuadro muy famoso y popular, pero no te sientas mal si cuando llegues al refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie el mural de 'La última cena' te resulta algo decepcionante. La infraestructura con la que se admira, la enorme cantidad de turistas... no acaba de ser un buen caldo de cultivo para apreciar semejante obra maestra de Leonardo Da Vinci.
'La última cena' retrata justo el instante del evangelio en el que Jesucristo anuncia: "Uno de vosotros me traicionará". El profeta aparece dolido, mientras que la mayoría de los apóstoles muestran gestos de asombro. De izquierda a derecha, aparecen Bartolomé, Santiago el Menor, Andrés, Judas Iscariote, Pedro, Juan (con gesto dormido), Tomás, Santiago el Mayor, Felipe, Mateo, Tadeo y Simón. En la Segunda Guerra Mundial cayó una bomba justo encima de la iglesia y el refectorio quedó aplastado por los escombros. Cuando se despejaron, apareció intacta la pintura y muchos creyeron que era un 'milagro'. En realidad los religiosos habían protegido la pared con antelación, andamios y bolsas de arena.
Año en el que se pintó 'La última cena': entre los años 1495 y 1498.
¿Dónde puedes verlo? En la iglesia y convento de Santa Maria delle Grazie (Milán, Italia).
Las señoritas de Avignon - Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881 - 1973) sentó las bases de la primera revolución del arte con "Las señoritas de Avignon" (1906 - 1907), ya que abrió las puertas al movimiento cubista. Se convirtió en el primer pintor que se alejaba de las reglas de representación espacial empírica, de los colores naturales y la reproducción de cuerpos proporcionales.
Otra forma de apreciar los desnudos
El cubismo persigue objetivos plásticos, se trata de incorporar las diversas perspectivas del artista al observar el objeto retratado. Ya no es un arte de imitación, sino que de representación personal. Por ello, en este cuadro no interesa la sensualidad, sino que la exploración de la realidad a través de líneas geométricas en el espacio.
El título se refiere a los burdeles de Barcelona. Muestra a cinco prostitutas que se ofrecen directamente al espectador, con las piernas abiertas o los brazos hacia arriba, mostrando los senos. Las formas de los cuerpos son angulosas y desproporcionadas, los rostros hacen alusión a máscaras y no cumplen con las normas de perspectiva, es como si estuvieran representados de frente y perfil al mismo tiempo.
Obra icónica
Este cuadro fue rechazado en el periodo ya que predominaba lo carnal de forma desproporcionada y en formato inusualmente grande (mide más de dos metros). Sin embargo, hoy es considerada una de las pinturas claves en la historia del arte, pues dio pie a muchas de las vanguardias del siglo XX. Aunque estuvo 10 años enrollada, porque a nadie le interesaba, se encuentra valuada entre 500 y 1000 millones de dólares.
La persistencia de la memoria - Salvador Dalí
Salvador Dalí (1904 - 1989) es uno de los grandes representantes del Surrealismo. Este movimiento artístico surgió en el periodo de entreguerras y proponía un arte desligado de la lógica racional, que se concentrara en develar el subconsciente de los individuos.
Siguiendo las teorías de Freud, la obra debía ser una exploración subjetiva en la que los objetos eran despojados de su representación cotidiana y estudiados como símbolos.
El tiempo y la memoria
En La persistencia de la memoria (1931), los relojes que se derriten muestran que aunque el tiempo es un valor universal, puede sentirse de maneras subjetivas, dependiendo de la persona y las circunstancias.
Efectivamente, el tiempo resulta plástico y la memoria es una manera de marcar el tiempo al antojo de quien encierra esos recuerdos.
Símbolos dentro del cuadro
Hay otros símbolos importantes dentro del cuadro. Al centro se puede ver una silueta dormida, que corresponde al perfil del propio pintor. Esto hace alusión al sueño como un nuevo espacio en que el tiempo es flexible.
Por otro lado, en el lado izquierdo se puede ver el único reloj que no se derrite, está volteado y lleno de hormigas. Estos insectos fueron muchas veces utilizados por Dalí como símbolo de putrefacción, por lo que está haciendo un gesto a lo obsoleto de un tiempo regido de forma universal.
La traición de las imágenes - René Magritte
René Magritte (1898 - 1967) fue uno de los pintores más revolucionarios del siglo XX. Fue parte del movimiento surrealista y se dedicó a explorar las capacidades expresivas de la realidad.
Segun su concepción, el arte se trataba de pintar ideas. Por esto, le dio especial importancia a la reflexión sobre el misterio, así como al lenguaje y su representación.
En La traición de las imágenes (1928 - 1929), se refiere de forma sencilla a conceptos abstractos que lingüistas y filósofos del lenguaje estaban discutiendo en este periodo. Por esto, muestra una pipa y abajo la leyenda: "Esto no es una pipa".
¿Qué quiere decir este cuadro?
El arte occidental se caracterizaba por su vínculo representativo, es decir, se pintaba una pipa que hacía alusión a una pipa. Sin embargo, la modernidad viene a cuestionar las categorías.
En esta pintura está haciendo alusión al lenguaje y su referencialidad. El lenguaje tiene la capacidad de crear realidad, así como también las imágenes. Entonces, ¿qué es más importante? ¿una imagen o la palabra que la designa?
De esta forma, ¿qué es realmente una pipa? ¿el objeto? ¿la palabra? ¿su imagen?. En sus escritos, Magritte declaró: “Quién podría fumar la pipa de uno de mis cuadros? Nadie. Por consiguiente NO ES UNA PIPA”. Así, nos hace reflexionar sobre el hecho de que todo lo que vemos y leemos corresponde a una representación subjetiva de la realidad, teñida por la visión del artista.
Las dos Fridas - Frida Kahlo
Frida Kahlo (1907 - 1954) es una de las artistas más relevantes de la actualidad. En sus creaciones indagó en el surrealismo, haciendo alusión a su vida y algunos de sus trágicas experiencias, como el accidente que tuvo a los 18 años y la hizo estar postrada más de un año o sus continuos abortos. Por esto, cultivó mucho los autorretratos, en imágenes en las que predomina el dolor, la pérdida y la muerte.
Con el tiempo, su obra ha ido cobrando muchísima fuerza por representar un imaginario femenino y latinoamericano, que durante muchos años estuvo fuera del canon artístico.
Hoy, la pintora es objeto de culto y ha pasado a formar parte del mercado, en miles de objetos que representan su fotografía o sus cuadros.
¿Qué representan las dos Fridas?
En esta obra (1939) podemos ver un autorretrato de dos personalidades de la artista. Fue terminada poco después de su divorcio con Diego Rivera, por lo que viene a reflejar la crisis de identidad.
En el lado derecho, muestra la parte amada por su ex-marido, una Frida mexicana y con traje de Tehuana que sostiene en la mano un amuleto con el retrato de Rivera. En el lado izquierdo, se puede ver a una Frida con vestido de encaje que viene a representar su lado como mujer soltera.
Los corazones de ambas están al desnudo y se encuentran unidos por una arteria. La Frida soltera está desangrándose debido a la pérdida.
El fondo muestra un cielo amenazante de lluvia, haciendo referencia al dolor que experimentaba en esta dualidad y al intento por encontrarse y definirse a sí misma como un ser autónomo.
Desayuno sobre la hierba - Édouard Manet
El inicio de la modernidad en el arte se sitúa en 1863 con "Desayuno sobre la hierba", que supuso un escándalo para el ambiente artístico del periodo.
Édouard Manet (1832 - 1883) fue el gran antecedente para los impresionistas, debido a su uso de pinceladas sueltas que hacen que las figuras parezcan inacabadas, pero con más vida.
De igual manera, rompió con las normas al hacer un retrato cotidiano de grandes dimensiones. El cuadro mide 214 x 219 cm., y no se había pintado antes una obra de este tamaño con un tema tan común.
¿Por qué provocó escándalo?
Esta pintura fue una provocación directa al academicismo que planteaba que para mostrar un desnudo femenino, debía ser en un contexto simbólico, religioso o clásico.
Aquí se muestra una escena común en la que un grupo de personas disfrutan de una comida en el parque. Sin embargo, mientras los hombres están vestidos según la moda de la época y conversan distraídos, la mujer mira directamente al espectador de manera desafiante.
Esta obra fue expuesta en el "Salón de los rechazados", una muestra con las obras rechazadas para el Salón de París, la exposición anual organizada por la Academia Francesa. Se convirtió en el gran éxito de aquel año y supuso un cambio en las temáticas y formatos que el arte permitía.
Impresión, salida del sol - Claude Monet
Esta pintura es una de las más famosas del movimiento impresionista que buscaba alejarse del canon establecido por la Academia y plantear una forma más moderna de ver el mundo.
Claude Monet (1840 - 1926) fue de los primeros en plantear pinceladas libres, rápidas y directas. Se trataba de retratar lo inmediato, escenas "vivas" de un acontecimiento o figuras cotidianas, casi como un boceto.
Cambio en la perspectiva
Para este grupo, lo principal era pintar directamente de la naturaleza, buscando plasmar impresiones y estados de ánimo efímeros. Por esto, le dieron vital importancia al uso de la luz y al color, ya fuese sobre el agua, ciertas plantas o lugares de la ciudad.
Fue un avance técnico lo que les permitió el trabajo al aire libre, pues en 1841 aparecieron las pinturas en tubos de metal que podían volver a cerrarse. Así, ya no había necesidad de manipular pigmentos o hacer mezclas, por lo que resultaba más fácil trasladarse.
La pintura que le dio nombre al movimiento impresionista
Esta obra fue expuesta en 1874 y causó un escándalo en la opinión pública. El crítico de arte Louis Leroy denominó a todo el grupo de forma peyorativa "impresionistas", basándose en esta pintura. Los artistas decidieron hacer suya esa denominación y con ese nombre pasaron a la historia como el primer movimiento de ruptura con el arte anterior.
El jardín de las delicias - El Bosco
"El jardín de las delicias" (1503 - 1515) es la pintura más reconocida de El Bosco (1450 - 1516), uno de los artistas más enigmáticos de la historia, debido a un imaginario impresionante si se considera su época de producción. Muchas de las figuras parecen salidas de un cuadro surrealista moderno.
¿Qué representa cada segmento?
Este tríptico está basado en la Biblia y tiene como común denominador el pecado. El observador se puede perder fácilmente en la cantidad de elementos que pueden llegar a parecer abrumadores.
La primera tabla muestra a Adán y Eva en el momento en que son presentados por Dios, antes de cometer el primer pecado. La escena del medio muestra un falso paraíso, ya que está colmado de placeres, criaturas extrañas y desenfreno. Lo que predomina en ese escenario es el erotismo y la lujuria. Finalmente, el último retablo muestra el infierno al que son sometidos los pecadores.
Intención moralizante
La intención de esta obra era enseñar y deleitar. Lo más probable es que fuese encargado para la boda del conde Enrique III de Nassau-Breda. En aquellos años se utilizaban este tipo de representaciones para aleccionar a la joven pareja sobre los peligros de la lujuria y los excesos.
Marilyn - Andy Warhol
Andy Warhol (1928 - 1987) es el máximo representante del Pop Art. Su obra fue recibida con escándalo por los círculos intelectuales del periodo. Una de las grandes críticas fue su desdén hacia la subjetividad creativa, además de su amor hacia el dinero y la celebridad.
Se creó a sí mismo como un personaje artificial, ya que utilizaba una peluca gris, anteojos de sol y una actitud impasible.
¿De qué se trata el Pop Art?
El Pop Art triunfó en la década de los sesenta y se instaló como una revolución, ya que era el primer movimiento artístico que celebraba lo popular, efímero, barato, producido en serie y artificioso. De esta manera, las creaciones artísticas se sumaron al mercado y dejaron de buscar un significado profundo.
¿Qué quiso decir Warhol con su Marilyn?
Este movimiento celebraba todo lo que provenía de la sociedad de consumo, por lo que Marilyn Monroe fue un tema recurrente en el repertorio del artista. Llegó a realizar varias obras sobre ella, a través de la técnica de la serigrafía, en las que reproducía imágenes en colores.
"Marilyn" (1964) funciona como un símbolo de la cultura norteamericana de aquellos años. Viene a representar un tiempo en el que primaba el famoso sueño americano, vislumbrando también la tragedia que se escondía detrás. Si bien, la mujer se convirtió en un ícono, la fama la llevó a la autodestrucción.
Irónicamente, Warhol inmortalizó a la actriz con este cuadro y ha pasado a ser parte de la misma rueda de consumo que se intentaba denunciar, pues hoy se puede ver en diversos objetos y propagandas.
Cuadrado negro - Kazimir Malévich
Esta es la pintura que dio origen al movimiento suprematista, aquellos artistas que decidieron llevar la sencillez a su máxima expresión. Buscaban la supremacía de la forma y no la representación del mundo visible.
En "0.10 La última exposición futurista", Kazimir Malevich (1879 - 1935)dio a conocer el suprematismo con un grupo de cuadros en los que parecía reducirse radicalmente el cubismo: era la forma geométrica pura.
Así, el artista se convirtió en el padre del movimiento, e inauguró las primeras obras absolutamente libres de cualquier tipo de referencia figurativa.
"Cuadrado negro" (1915) fue colgado en una esquina entre dos paredes junto al techo, lugar que en la tradición rusa está dedicado a los íconos religiosos. De esta manera, cuestionaba la categoría en la que debía verse al arte.
Aunque fue fuertemente criticado por ser un cuadro que aludía a la nada, hoy se entiende que no es una obra vacía, sino que viene a significar la ausencia.
Corta vida del suprematismo
Al comienzo de la revolución rusa, los artistas contaron con total libertad de expresión y esto condujo a la experimentación conceptual. No obstante, el suprematismo fue fuertemente criticado por ser un arte burgués, incomprensible para el proletariado y sin ningún objetivo. Fue censurado y reemplazado por el realismo socialista que sí servía a los objetivos ideológicos del partido.
Amarillo, rojo y azul - Wassily Kandinsky
Wassily Kandinsky (1866 - 1944) es uno de los grandes referentes del expresionismo abstracto. Según la tradición, el arte tenía que ver con la mímesis: reproducir el mundo tal como se veía. En cambio, ahora se liberaba de lo figurativo, para así expresar emociones a través de formas libres.
Teoría sobre el arte abstracto
En 1912 publicó el libro De lo espiritual en el arte, en el que abogaba por el arte como la salvación del ser humano. La pintura provenía del interior del artista y cada composición se alimentaba de colores, que funcionaban como personajes que producían emociones y sensaciones.
Kandinsky se basaba en la música para su creación, por lo que buscaba recrear equivalencias musicales: cadencias, ritmos, contrastes. Es por esto que en sus cuadros predomina la proliferación caótica: una explosión de colores, manchas y formas vibrantes que convierten al cuadro en un objeto con movimiento.
La pintura abierta a múltiples interpretaciones
Debido a que sus obras eran composiciones libres de significado, lo que buscaba era generar emociones en el espectador. Al ver sus cuadros, el público debe dejarse seducir por las formas y los colores, conectándose con su imaginación y sentir personal.
En "Amarillo, rojo y azul" (1925) pueden notarse dos polos muy marcados. En el lado izquierdo, hay luminosidad y líneas más abiertas, mientras que en el lado derecho se enredan las formas, los colores se oscurecen y confunden. Por ello, se puede interpretar como ambos lados de la consciencia humana, una donde predomina la luz y otra en la que destaca el caos.
Símbolos
Kandinsky siempre escondía símbolos en sus cuadros, como la imagen de una barca y remeros que puede verse en varias partes de esta pintura. Se representa como una curva con varias líneas que la atraviesan y significa la capacidad del hombre de sobreponerse a las dificultades.
"Noctámbulos" - Edward Hopper
Edward Hopper (1882 - 1967) es el gran representante del realismo norteamericano. En su obra, buscó retratar la vida moderna, en donde predomina la ciudad y el hombre común. Sus cuadros han sido denominados como metáforas del silencio, pues muestran la soledad y rutina de los seres humanos frente a la realidad.
¿Que nos muestra?
En "Noctámbulos" (1942) se puede ver un típico bar-café de Estados Unidos. Alrededor, se notan las calles desiertas y las luces apagadas. La noche sólo está iluminada por el establecimiento en el que se encuentran tres clientes y un camarero que no interactúan entre ellos.
El espectador funciona como un intruso, pues la perspectiva del cuadro es como una escena vista desde afuera, y es el ventanal el que permite la visibilidad.
¿Qué tiene de especial esta pintura?
Ha ganado fama debido a su temática, ya que viene a mostrar la soledad en la gran ciudad. Aunque es una imagen bastante escueta, se genera una cierta tensión psicológica, pues el público puede adivinar una historia intrigante tras la simplicidad.
La obra de Hopper se ha comparado con algunos de los grandes narradores del siglo XX como Hemingway, Cheever y Carver, representantes de la literatura realista norteamericana en la que se puede encontrar la misma atmósfera de sus cuadros.
Los Girasoles - Vincent Van Gogh
Van Gogh pintó la primera serie de girasoles en París en 1887 y luego una segunda serie en Arles en 1888-1889. El cuadro más famoso de esta serie, a menudo simplemente llamado "Los Girasoles", muestra un jarrón con quince girasoles en flor. La pintura es famosa por sus vibrantes colores amarillos y la energía emocional que parece irradiar desde el lienzo. Van Gogh utilizó pinceladas gruesas y audaces para crear una textura que da vida a las flores y al jarrón.
'La muerte de Marat' - Jacques-Louis David
Jean Paul-Marat, líder revolucionario francés y uno de los artífices del reinado del Terror, era amigo personal de Jacques-Louis David, quien tuvo apenas cuatro meses para crear una obra que homenajeara para siempre a su compañero. El magnífico óleo, que se exhibe en Bruselas, pertenece al estilo neoclásico, muy de moda en aquel momento. En la imagen vemos a un Marat apuñalado en la misma bañera donde se relajaba. Le vemos con un turbante, pues se lo empapaba en vinagre para aliviar unas erupciones que le salían por ser celíaco. A David le fascinaban los discursos de Marat, capaz de encender a cualquier masa, así que utilizó esta pintura para homenajearlo como mártir de la Revolución Francesa.
Año en el que se pintó 'La muerte de Marat': 1793.
¿Dónde puedes verlo? En los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (Bruselas, Bélgica)
'La escuela de Atenas' - Rafael
Este maravilloso fresco se encuentra en la Estancia de la Signatura del palacio del Vaticano, que en la época en la que fue decorada por Rafael (1510-1512) solía ser una biblioteca. En esta espectacular obra quiso representar el origen del pensamiento occidental, la antigua Grecia, y pintó un espacio de arquitectura clásica en la que podemos ver a Platón y Aristóteles en el centro. Pero a todos los protagonistas del fresco les pone la cara de un artista de su tiempo; así, Platón tiene la cara de Leonardo; Heráclito, la de Miguel Ángel; Hipatia, la de la novia de Rafael, Margherita; Apeles, como el propio autor, etc. Pero Rafael no solo quiso hacer un catálogo de personajes sino dejar patente la filosofía de cada uno. Así, Platón, que es más idealista, señala con su pulgar al cielo; Aristóteles, que creía en un pensamiento real y físico, a la tierra.
Año en el que se pintó 'La escuela de Atenas': entre 1509 y 1511.
¿Dónde puedes verlo? En los Museos Vaticanos. Un buen motivo para disfrutar de un viaje a Roma y acercarte a los pueblos más bonitos de Italia para una escapada inolvidable.
'El matrimonio Arnolfini' - Jan Van Eyck
Es uno de los cuadros más famosos y antiguos conservados en el mundo. En él podemos ver a un rico comerciante de seda de la época, el italiano Giovanni Arnolfini, junto a su esposa embarazada, Constanza Trenta -quien había muerto un año antes de que Van Eyck pintara el cuadro- en su casa de Brujas (Bélgica) -uno de pueblos de Europa más bonitos y con encanto-. Ella aparece embarazada como símbolo de fecundidad, y es que el lienzo está lleno de símbolos, como el perro, que significa la fidelidad o las sandalias que podemos apreciar a la izquierda, que son una representación de la riqueza de la época. Desde 1842 se encuentra en la National Gallery de Londres después de que en 1813 desapareciera del Palacio Real de Madrid.
Año en el que se pintó 'El matrimonio Arnolfini': 1434.
¿Dónde puedes verlo? En la National Gallery cuando estés un fin de semana en la ciudad de Londres.
'Número 1A' - Edward Pollock
Jackson Pollock es uno de los máximos representantes del expresionismo abstracto, uno de los primeros movimientos de vanguardia estadounidense. Esta obra fue pintada a mediados del siglo XX bajo la técnica del goteo: “A veces uso un cepillo, pero a menudo prefiero usar un palo. A veces vierto la pintura directamente de la lata. Me gusta usar una pintura líquida que gotea”, explicaba. Para usar mejor esta técnica, no colocaba el lienzo en un caballete o en la pared, sino en el suelo Fue también rompedor escogiendo números para designar sus obras porque, tal y como señaló al cabo de los años su esposa, la también artista Lee Krasner, "los números son neutrales. Hacen que las personas vean una pintura por lo que es: pintura pura".
Año en el que se pintó 'Número 1A': 1948.
¿Dónde puedes verlo? En el Museum Of Modern Art (MoMA) de Nueva York.
‘La Libertad guiando al pueblo’ - Eugène Delacroix
Este impresionante lienzo, pintado por Delacroix, simboliza la Revolución de 1830 sucedida en Francia. Una insurrección que comenzó en París con las denominadas Tres Gloriosas jornadas en las que el pueblo se levanta en armas contra el terrible reinado de Carlos X para dar paso en el trono a Luis Felipe de Orleans. En el enorme cuadro de Delacroix pueden verse representados diferentes personajes de la sociedad francesa erigiéndose sobre los que perecieron en la batalla. Desde el burgués al mendigo, pasando por el soldado o el niño… evocando la unión del pueblo en la lucha por sus ideales. Abanderando el cuadro, la Libertad. La figura principal que se encuentra en lo alto de la pirámide compositiva, al igual que sucedía con Guéricault. La Libertad se alza y abre paso parcialmente desnuda, con gorro frigio, fusil y bandera tricolor. Esta figura femenina terminaría por considerarse la personificación de la República Francesa y sus valores: libertad, igualdad y fraternidad.
Año en el que se pintó 'La libertad guiando al pueblo': 1830.
¿Dónde puedes verlo? Se conserva en el Museo del Louvre, de París.
El Columpio - Fragonard
Realizado en 1767, Los felices azares del columpio o El columpio es, además del cuadro más conocido del artista francés Jean Honoré Fragonard, una de las obras más representativas del rococó. En él, Fragonard retrató a la amante de un rico barón. Según la leyenda, Fragonard fue la segunda opción para realizar el cuadro, ya que Gabriel François Doyen no aceptó el encargo al considerarlo demasiado escandaloso. Puedes verlo en la Colección Wallace de Londres.
La gran ola de Kanagawa - Katsushika Hokusai
Se trata de la obra más famosa de Hokusai, especialista en ukiyo-e (grabados realizados mediante xilografía), y una de las estampas más reconocidas a nivel internacional. Publicada entre 1830 y 1833, supone la primera de su conocida serie ‘Treinta y seis vistas del monte Fuji’. En ella percibimos tres elementos diferenciados, un mar agitado en forma de tsunami que nos envuelve, tres barcazas y el Monte Fuji con su cumbre nevada al fondo. La ola traza una espiral perfecta, está cargada de magnetismo y dinamismo, demostrando el poder implacable de la naturaleza que no solo atrapa a los barcos, sino también al espectador. Con esta obra, Hokusai fue toda una fuente de inspiración para otros artistas como, por ejemplo, Vincent Van Gogh.
Año en el que se pintó 'La gran ola de Kanagawa': entre 1830 y 1833.
¿Dónde puedes verlo? Se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte, de Nueva York. Su nombre seguro que se te hace familiar, puesto que anualmente celebran la Gala MET.
Composición en rojo, amarillo, azul, blanco y negro - Piet Mondrian
"Composición con rojo, azul y amarillo" es una pintura del artista holandés Piet Mondrian, creada en 1942. El uso de Mondrian de una cuadrícula de líneas negras y rectángulos de colores crea una sensación de equilibrio y armonía en la pintura. Los colores primarios rojo, azul y amarillo están dispuestos de una manera que sugiere movimiento y energía.
El interés de Mondrian radicaba en la calidad abstracta de la línea, pero en 1914 casi había eliminado la línea curva de su trabajo. En 1916 había suprimido cualquier sentido de tema. Más tarde, desarrolló una nueva forma de abstracción rigurosa llamada Neoplasticismo en la que se limitó a líneas rectas, horizontales y verticales y colores primarios básicos. Por lo general, sus composiciones no eran simétricas, pero difícilmente podrían ser más puras en sus elementos. Sintió que este arte reflejaba una verdad universal más grande más allá de la apariencia cotidiana.
¿Pero qué podemos ver en esta pintura?
Para este artista era mas importante mostrar el mundo de una manera mas simple de lo que es la verdadera vida. Esto se debió a que él opinaba que algunos artistas pintaban cosas que parecían mas complicadas que el mismo diario vivir.
¿Entónces qué representa este cuadro?
En realidad no representa nada en particular. Mondrian quiso entregarle al espectador una especie de juego donde se observan las diferentes piezas y colores. El resto queda a la imaginación del observador para crear lo que quiera.
¿Cómo se realizó esta obra?
Este fue un trabajo bien planeado por un largo tiempo. Mondrian midió su lienzo usando tiras de papel para calcar así decidió donde ponía las lineas. Después las pintó con carboncillo y finalmente puso color encima de ellas. En esta composición vemos como Mondrian evita crear la ilusión de profundidad, por eso omite cualquier linea curva o diagonal, porque representa la perspectiva. Un cuadro muy bien equilibrado. Los colores usados y sus formas, la forma en que fueron dispuestos en el lienzo, todo responde a un perfecto orden mental.
¿Porqué estos tres colores: Rojo, Amarillo y Azul?
Estos colores son básicos, es decir, que combinándolos se puede crear cualquier otro color en el arcoiris: verde, morado, naranja, y todas las otras sombras en medio. Crear estos tres colores básicos es imposible porque son colores individuales, por eso se llaman colores primarios. En esta obra los cuadrados que contienen estos colores están llenos de energía. El rojo evoca fuego o sangre o un atardecer.
¿Y qué hay con el blanco y negro?
Como ya conocemos sin el blanco y el negro es imposible aclarar u oscurecer los colores. Al observar las lineas negras logramos una organización del dibujo ya que limitamos espacios haciéndolos mas pequeños, mas grandes, mas altos, anchos o angostos. Al mismo tiempo que controlan que la estructura de la pintura no se desborde.
Los espacios blancos dan la impresión de vacio, luz y aire.
¿Dónde puedo ver esta obra? Tate Modern Collection, UK
Navegación
Medios de pago
